Neuromantics: Spacetime screening (Berlin)


Das Programm Spacetime enthält Filme von Basma Alsharif, Beatrice Gibson und Hannes Ribarits sowie ausgesuchte Ausschnitte aus populärwissenschaftlichen Dokumentarfilmen, die eine Vielzahl alternativer, objektiver Räume untersuchen: die Vorstellung eines Orts; Ankunft; Vertrautheit (und das Unbekannte im Vertrauten); und die Betrachtung der parallelen Existenz all dessen, womit wir verbunden sind. Kuratiert von Warren Garland and Emma Gradin.

Das Projektionskollektiv Neuromantics präsentiert Arbeiten, die in einem immersiven Verhältnis zu nahen wie entfernten Orten und Prozessen stehen. Jedes Programm ist freistehender Teil einer Serie, die verschiedene Bewusstseinszustände in Raum und Zeit erforscht: körperliche wie kognitive Aspekte künstlerischer (und anderer Formen von) Arbeit; Erinnerungen und Empfindungen, die aus dem Umgang mit Materialien und anderen Wesen entstehen, sowie die Spuren und Eindrücke, die diese in der Welt hinterlassen.

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Neuromantics: Spacetime

The Spacetime programme includes films by Basma Alsharif, Beatrice Gibson and Hannes Ribarits and a selection of popular science documentary excerpts, investigating a multiplicity of alternative, objective spaces: imagining and arriving at a place, familiarity – and discovering the unknown in the familiar – and contemplating the parallel existence of all with which we are connected.

Artists and works:

Hannes Ribarits: Slacker Manifesto (All I really want), 2014, video-projection, 4:17 min, Slacker Manifesto 2 (Hello Seattle), 2014, video-projection, 8:45 min, Slacker Manifesto 3 (I lost my love in Los Angeles), 2014, video-projection, 7:10 min

Ribarits is an installation-artist based in Berlin. Since graduating from Central Saint Martins College London in 2008 his practice has taken on a multifarious approach; incorporating painting, computer- based work, sculpture, film and sound – using collage as the main principle of recreating and redistributing meaning. In 2014 Ribarits opened the Room of Requirement, an art space located in a temporarily unused office building in Berlin Kreuzberg. (PTO for a short essay on Ribarits’s works.)

Beatrice Gibson: Agatha, UK, 2012, 14:32 min

Beatrice Gibson (b.1978) is an artist based in London. Investigating ideas around voice, speech, collective production and the problems of representation, her films deploy notation and conversation as paradigms for their production. Gibson’s film Agatha is a psychosexual sci-fi about a planet without speech. Its narrator, ambiguous in gender and function, weaves us slowly through a mental and physical landscape, observing and chronicling a space beyond words. Based on a dream had by the radical British composer Cornelius Cardew. (Lux profile)

Basma Alsharif: Deep Sleep, HD Video, 2014, 12:45 min (Courtesy of the artist and Galerie Imane Farés)

Basma Alsharif is an artist/filmmaker born in Kuwait of Palestinian origin, raised between France and the US. Since receiving a Master of Fine Arts in 2007 from the University of Illinois at Chicago, she developed her practice nomadically between Cairo, Beirut, Sharjah, Amman, and the Gaza Strip. Alsharif’s work centres on the human condition in relation to shifting geopolitical landscapes, natural environments and history. She works in cinema, photography and installation and is currently based in Los Angeles. She says about Deep Sleep: “Temporarily restricted from travel to the Gaza Strip because of border conflict, I undertook the study and practice of autohypnosis with the purpose of bi-locating into multiple places at once. Paired with field recordings rendered into a binaural beat soundtrack, Deep Sleep is made up of a year’s worth of bi-location sessions recorded onto Super 8 mm film.”

Brian Greene: Excerpts from The Fabric of the Cosmos: Space, Time, and the Texture of Reality, 2011 (TV documentary)

Brian Greene (b. 1963) is an American theoretical physicist and string theorist. He has been a professor at Columbia University since 1996 and chairman of the World Science Festival since co-founding it in 2008. Greene has worked on mirror symmetry, relating two different Calabi–Yau manifolds (concretely, relating the conifold to one of its orbifolds). He also described the flop transition, a mild form of topology change, showing that topology in string theory can change at the conifold point. (Wikipedia)

Neuromantics are a screening collective presenting work with an immersive relationship to local and distant places and processes. Each programme is a freestanding session in a series that explores different states of consciousness in space and time; physical and cognitive aspects of artistic- and other types of work; memories and sensations that have been generated through engagement with materials and other beings; and the traces and impressions left by those on the world around us.


On Hannes Ribarits’s Slacker Manifestos (by Kathi Hofer)

I. The image of a bicycle carelessly thrown to the ground invariably fills me with a sense of guilty pleasure. The imagined scenario it elicits is one of free time spent roaming without plans or aims. You jump on your bike to ride out or about, and maybe even end up somewhere. And once you are there, you do not park your bike, much less lock it up, but simply let it drop to the ground. Parking and locking, actions that require an awareness of individual contextualization, do not figure into this scenario of practiced inconsequentiality.

In Hannes Ribarits’s video essays Slacker Manifesto I-III, a ‘thrown-down’ bicycle is one of several recurring images that signal this type of non-specific meandering. They are complimented by tracking shots along field- and forest paths, bicycle and pedestrian underpasses, shopping malls, railway tracks, riverbank promenades, or highways. At times, erratic pans or surging zooms themselves are left to set the course, always ending at a potential horizon. The motif of movement is embedded not least of all in the ephemeral narrative structure. SM I-III makes use of the narrative codes of two classic genres: the road movie and the Bildungsroman. Though clearly distinguished in terms of art and intellectual history, both genres primarily revolve around subjects that set forth in order to liberate themselves from a situation perceived as oppressive, be it familial or social constraints, heartbreak, or the establishment. They tell of journeys that begin in a search for meaning and end in self-discovery, their course and purpose clearly defined: advancing or arriving (neoliberal vs. bourgeois narrative), or, in counter-cultural opposition, dropping out. SM I-III follows the narrative logic of bourgeois Wanderlust and the enterprisingly reckless pursuit of happiness for a little way then quietly leaves its path. The romance of the forest, the epic expanse of highways and wasteland are glanced only fragmentarily. The camerawork is too erratic to stray into the distance; the angle of view is always slightly askew, the forward motion takes place at walking speed and at times appears exhausted by the anticlimactic dramatic arc and endless fade-outs.

Like the scene described earlier, the journey seems devoid of a desire to continue onward or arrive. Drifting appears far more attractive, as does stopping and getting off. To a certain degree, the image of the resultantly “thrown down” bicycle contains a dual dynamic of departure and discontinuation. The departure into ‘the great wide open’ is also a rupture, albeit temporary, of intended trajectories: the course of an ambitiously planned day or short-term career, as well as of progressive personality development. The carelessly dropped bicycle is, not least of all, a middle finger extended toward maturity.

II. For young adults in the late 80s and 90s, the failure to recognize the genuine identity-defining import of just slacking off was clearly a shortcoming confined to their parents’ generation – the family-founders, the upwardly mobile, the workaholics who had established themselves socially or climbed their way up financially. Twenty years later, there appears a novel twist to this classic generational conflict: Those born ’89 and later no longer buy into the previous generation’s aimlessness. Under the influence of hyper-circulating identification models, the clearly delineated goals of business and bourgeoisie have once more become attractive. At the same time, digital optimization seems to have increasingly eliminated the influence of personified circumambulation, its listlessness and ungainliness, as well as the physical experience of ‘not seeing the forest for the trees.’

In SM I-III, Hannes Ribarits casts these shifts as an attempt at personal and political self-discovery.

The jerky handheld sequences are intermixed with precisely placed (sometimes precisely misplaced) snippets of pictures, films, and sounds from the last twenty years of mainstream media pop culture, which evocatively approximate a generational consciousness.

The citations can also be read as reflexive sequences in a meta-narrative that spans the three parts of the Slacker Manifesto. The un-kept alternative promise of Alanis Morissette’s song ‘All I Really Want,’ ritually celebrated in SM I, is answered in SM II with a fragment from the late-nineties series ‘Felicity,’ in which the Clinton-era neoliberal pursuit of happiness is portrayed as though part of the young protagonist’s individuation process. In SM III, Laura Dern’s voiceover from the HBO series Enlightened merely conveys neoliberal gloom and the arguably enlightened insight into the impossibility of a real existence in a false life. The enlightenment ultimately comes, delayed, in quasi-analog self-reflection: in the image of the first-person narrator, camera in hand, reflected in the rear view mirror of a moving car. The soundtrack to this scene is late Courtney Love, that tragic heroine and drama queen who ostensibly occupies the generational divide between the embodied inconsequence of an alternative culture and a culture of neo-liberally motivated, digitally smoothed self-optimization – and yet has somehow survived it. This last identification model may effectively constitute a happy ending.

Neuromantics would like to thank the artists, Martin Grennberger, Lux, Johan Norling and Kathi Hofer.

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Über Hannes Ribarits’ Slacker Manifestos

I. Das Bild eines achtlos hingeworfenen Fahrrades ruft in mir unweigerlich ein Gefühl von guilty pleasure hervor. Das hinzufantasierte Szenario ist eins unverplanter oder planlos verbrachter Zeit und eines ziel- wie zwecklosen Unterwegs-seins. Man schwingt sich aufs Rad, um hinaus- oder herumzufahren und vielleicht auch irgendwo zu landen. An dieser Stelle wird das Rad nicht geparkt, schon gar nicht abgesperrt, sondern einfach hingeworfen: Parken und Absperren, Handlungen also, die ein Bewusstsein für individuelle Verortung voraussetzen, sind in diesem Szenario gelebter Inkonsequenz nicht enthalten. In den Video-Essays Hannes Ribarits’, Slacker Manifesto I-III, ist ein ‚hingeworfenes’ Fahrrad eines von mehreren wiederkehrenden Bildmotiven, die solch ein unspezifisches Unterwegs-Sein markieren. Dazu kommen Kamerafahrten entlang von Feld- und Waldwegen, Fahrradunterführungen, Fußgänger- und Einkaufspassagen, Bahngleisen, Flusspromenaden, Highways. Bisweilen geben unstete Schwenks oder vorpreschende Zooms selbst die Richtung vor. Sie enden immer dort, wo sich ein Horizont abzeichnen könnte. Das Motiv der Bewegung steckt nicht zuletzt in der andeutungshaften Erzählstruktur. SM I-III bedient sich darin den narrativen Codes zweier klassischer Auf- und Ausbruchserzählungen: des Roadmovies und des Bildungsromans. Kunst- wie ideengeschichtlich klar unterschieden, handeln beide Genres im Wesentlichen von Subjekten, die ausziehen, um sich von einer als unfrei empfundenen Ausgangssituation zu lösen: sei es von familiärer oder gesellschaftlicher Enge, einem Heartbreak oder vom Establishment. Sie erzählen von Reisen, die als Sinnsuche beginnen und in der Selbstfindung enden, und deren Richtung und Ziel klar definiert sind: nämlich darin, weiter- oder anzukommen (neoliberales vs. bürgerliches Narrativ); oder, in gegenkultureller Opposition dazu: auszusteigen. SM I-III folgt den Erzähllogiken der bürgerlichen Wanderlust und des unternehmerisch draufgängerischen Glücksstrebens ein Stück weit, um dann leise davon abzuzweigen. Die Romantik des Waldes, die epische Weite von Highway und Brachland sind darin immer nur ausschnitthaft zu haben. Der Kamerablick ist zu fahrig, um in die Ferne zu schweifen; der Bildwinkel hängt auch immer etwas schief, die Fortbewegung erfolgt im Schritttempo und scheint bisweilen erschöpft von antiklimaktischen Spannungsbögen und endlos langen Fade-outs. Wie der eingangs beschriebenen Szene scheint dieser Reise der Wunsch nach dem Weiter- oder Ankommen zu fehlen. Viel reizvoller scheint es dagegen, zu treiben, zu cruisen. Und auch: stehenzubleiben, abzusteigen. Dem Bild des dabei ‚hingeworfenen’ Fahrrades wohnt gewissermaßen eine doppelte Dynamik des Auf- wie des Abbruchs inne. Der Aufbruch ‚ins Freie’ ist zugleich ein, wenn auch temporärer, Abbruch vorgesehener Laufbahnen: eines planvollen Tages- und kurzfristigen Karriereverlaufs sowie einer progressiven Persönlichkeitsentwicklung. Das achtlose Hinwerfen des Rades ist nicht zuletzt eine Geste des erhobenen Mittelfingers in Richtung Reife.

II. Das genuin identitätsstiftende Moment des ‚Herumtreibens’ zu verkennen war für junge Erwachsene der späten 80er und 90er Jahre ganz klar ein Irrtum der Elterngeneration: der Familiengründer, Aufsteiger und Workoholics, die sich sozial eingerichtet oder liberal hochgearbeitet hatten. Zwanzig Jahre später erscheint dieser klassische Generationskonflikt auf neuartige Weise verdreht: Die 89+ Geborenen nehmen ihrer Vorgängergeneration die Orientierungslosigkeit nicht mehr ab. Unter dem Eindruck hyperzirkulierender Identitätsangebote sind die klar gesteckten Ziele – die unternehmerischen wie die bürgerlichen – wieder attraktiv geworden. Indes scheinen die Eindrücke verkörperten Kreisens, deren Langsamkeit und Holprigkeit, sowie die physische Erfahrung, ‚den Wald vor lauter Bäumen nicht zu sehen’, durch digitale Optimierung mehr und mehr beseitigt. Hannes Ribarits inszeniert diese Verschiebungen in SM I-III als Versuch einer persönlichen und politischen Selbstfindung. In die holprigen Handkamerasequenzen mischen sich präzise platzierte (manchmal präzise verpeilte) Bild-, Film- und Soundsnippets, die dem Mainstream medialer Popkulturerfahrung der letzten zwanzig Jahre entstammen und ein ungefähres Generationsbewusstsein wachrufen. Die Zitate können indes als reflexive Momente einer Meta-Erzählung gelesen werden, die die drei Teile des Slacker Manifestos überspannt. Das in SM I rituell abgefeierte, nicht eingehaltene Alternativversprechen des Alanis Morissette-Songs ‚All I really want’ wird in SM II zunächst mit ‚Felicity’, mit einem Fragment aus der gleichnamigen Spätneunziger-Serie, beantwortet, in dem das liberale Glücksstreben der Clinton-Ära gleichsam als Individuationsleistung der jungen Protagonistin dargestellt ist. SM III kündet mit Laura Derns Off-Stimme aus der HBO-Serie ‚Enlightened’ bloß von neoliberaler Düsternis und der wohl aufgeklärten Einsicht in die Unmöglichkeit eines richtigen Lebens im falschen. Die ‚Erleuchtung’ schließlich erfolgt, zeitversetzt, in der quasi analogen Selbstreflexion: in dem Bild des Ich-Erzählers samt Handkamera im Rückspiegel eines fahrenden Autos. Den Soundtrack zu dieser Szene liefert die späte Courtney Love, jene tragische Heldin und Drama Queen, die den Generationsbruch zwischen der gelebten Inkonsequenz einer alternative culture und einer Kultur der neoliberal motivierten, digital geglätteten Selbstoptimierung aufs Augenscheinlichste besetzt – und ihn dennoch irgendwie überlebt hat. Dieses abschließende Identifikationsangebot ist gewissermaßen ein Happy End.

Kathi Hofer 2015

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